martes, 15 de julio de 2014

EQ holes

Para hacer que varios instrumentos suenen bien de manera simultánea se utiliza la técnica de los EQ Holes, mediante la cual aplicamos ecualización sustractiva (cortes en frecuencia) a un instrumento en un punto, para aplicar en ese mismo punto ecualización aditiva (realce en frecuencia) a otro instrumento.

En esencia lo que estamos haciendo es "escarbar agujeros" en un instrumento para rellenarlos con otro y viceversa, de tal forma que el espectro resultante sea más o menos homogéneo.


La ecualización sustractiva es una herramienta muy potente, aunque a menudo nos olvidamos de ella. La tendencia cuando no nos gusta cómo suena algo es enmascararlo realzando lo que nos es agradable, en lugar de desenmascarar lo que nos gusta quitando las frecuencias que sobran.

En la siguiente mezcla que hagas prueba a no aplicar ni un solo dB positivo en la ecualización y utiliza sólo EQ sustractiva. Te sorprenderá lo fácil que te será después la mezcla.

Probablemente al final tendrás que realzar algunos puntos para que todo suene como estás acostumbrado, pero casi seguro que será mucho menos de lo que lo habrías hecho si no hubieras usado EQ sustractiva.
En general, la EQ aditiva se emplea para hacer que un instrumento suene más excitante o distinto a como lo viene haciendo y la EQ negativa es útil para conseguir que varios instrumentos suenen bien simultáneamente.

Otro aspecto que tener en cuenta es que no debemos emplear mucho tiempo ecualizando un instrumento en "solo", ya que puede ocurrir que lo que suena bien de manera independiente no lo haga junto al resto de instrumentos. Lo importante es que la mezcla final funcione, no cada instrumento por separado.

Como último consejo, fíate de tus oídos: si suena bien, está bien. No hay reglas. Si tienes que emplear +17 dB para obtener el sonido que buscas, adelante. Lo importante es cómo suena, no qué hiciste para lograrlo.
Roger Montejano

Ecualización en la Mezcla

A la hora de aplicar EQ conviene definir de antemano dónde queremos ir. Debemos evaluar qué instrumentos hay en la mezcla e identificar cuáles son los principales, pues éstos serán los que hagamos más "grandes", mientras que instrumentos que sólo aparecen puntualmente o no desempeñan un papel importante en el tema pueden ser más "pequeños".

Algunos ingenieros hablan del "Gran Cuadro", en el cual posicionan todos los instrumentos en el espectro de tal forma que cada uno predomina en ciertas zonas, sin molestar en el espacio de otros. A la hora de ecualizar debemos tener este gran cuadro en mente, para no realzar las mismas frecuencias en dos instrumentos distintos.



La decisión de qué instrumentos son los importantes viene determinada por el tema en sí, aunque hay ciertos patrones comunes en función del estilo de música:

En Pop y Rock generalmente el instrumento más importante es la voz, el bombo y el bajo ocupan gran parte del low end, sustentando al resto de instrumentos.

En Jazz el instrumento más importante es el solista, independientemente de que sea una guitarra, piano, contrabajo, etc.
En Hip-Hop y Rap el bombo y el bajo suelen ser descomunales (a menudo con sub-bombos y sub-bajos), y las voces muy presentes y fuertes.

En cualquier caso, la cantidad de instrumentos a mezclar condiciona la EQ que se aplica. En general, cuantos más instrumentos haya más debemos limitar el espectro de cada uno, y cuantos menos instrumentos, más grandes pueden ser.
Roger Montejano

sábado, 5 de julio de 2014

Ecualización Microfónica

Curiosamente, la etapa más importante de la ecualización no utiliza ningún control de ganancia, frecuencia ni factor Q.

Estamos hablando de la elección de los micrófonos y su colocación. Es aquí donde debemos experimentar y buscar el sonido que queremos obtener, ya sea probando distintos micros, jugando con la posición de los mismos, o de cualquier otra forma que se nos ocurra. Cuando presionemos el botón "rec" debemos estar completamente satisfechos del sonido que vamos a grabar.



Es un error colocar los micros en un sitio donde más o menos suenan bien, pensando en "ya lo ecualizaré después". Como cualquier otro procesador, lo ideal es usar la EQ para hacer excelente un sonido que de por sí ya es bueno, no para maquillar una mala grabación.

Si contamos con una buena interpretación por parte del músico, la correcta afinación del instrumento (aunque parezca obvio) y la acertada elección de micros y su posición harán más por nuestro sonido que cualquier EQ posterior.
Roger Montejano

martes, 1 de julio de 2014

Efecto de enmascaramiento

El enmascaramiento es un efecto Psicoacústico por el cual un sonido de mayor intensidad (sonido enmascarador) hace que otro de menor intensidad pase a ser poco o nada audible (sonido enmascarado). Esto explica, por ejemplo, por qué hemos de gritar en un concierto para hacernos oír: nuestra voz está siendo enmascarada por la música.
El enmascaramiento es más efectivo si los dos sonidos están próximos en frecuencia, pero también puede darse entre frecuencias separadas en el espectro, siendo en este caso más eficaz cuando el sonido enmascarador es más grave que el enmascarado.



En lo que concierne a la ecualización, el enmascaramiento puede hacer que un aumento en las frecuencias graves haga que las agudas se perciban peor y, de manera contraria, una disminución en los graves puede hacer que agudos que antes estaban enmascarados pasen a ser audibles.

Es por ello que conviene comenzar la EQ en las frecuencias graves y pasar después a las agudas, para evitar que el trabajo en el low end altere el resto del espectro.

De igual manera, el enmascaramiento también explica las técnicas de ecualización negativa, en las que, para que ciertas frecuencias sean más audibles, se atenúan las frecuencias adyacentes.

Roger Montejano

jueves, 26 de junio de 2014

Curvas Isofónicas

La sonoridad es una medida subjetiva de la intensidad con la que un sonido es percibido por el oído humano; su unidad es el fon.
Las curvas isofónicas nos muestran la intensidad en dBs necesaria para que un tono sea percibido con la misma sonoridad, en función de la frecuencia.


Para construirlas se suele tomar como frecuencia de referencia 1 kHz, donde se hace coincidir la intensidad con la sonoridad. Es decir, para que un tono de 1 kHz sea percibido con una sonoridad de 20 fonos es necesario una intensidad de 20 dB. Sin embargo, si el tono es de 200 Hz, necesitaremos casi 40 dBs de intensidad para lograr la misma sensación de 20 fonos.
Probablemente las curvas isofónicas más conocidas son las realizadas por los investigadores Fletcher & Munson en los años 30. En la actualidad, la ISO (International Organization for Standarization) cuenta con el estándar ISO 226 para definir estas curvas.

El análisis de las curvas isofónicas pone de manifiesto que la respuesta en frecuencia del oído humano varía en función del nivel de intensidad, siendo especialmente crítica la variación en las frecuencias más graves y, en menor medida, en las agudas.
A la hora de aplicar ecualización debemos tener esto en cuenta, ya que el nivel de escucha en que trabajemos hará que la EQ aplicada suene de una forma u otra. Por esta razón es recomendable probar las mezclas a distintos niveles, para comprobar que nuestro trabajo "traduce" bien a todos los niveles de escucha.

Una práctica habitual es mezclar a niveles de escucha no muy altos y aumentar puntualmente el nivel cuando se trabaja el low end (frecuencias graves). En general, si nuestros graves están equilibrados, una mezcla que funciona en niveles bajos también funcionará bien en niveles altos.

Roger Montejano

Frecuencia y Sensación subjetiva


Al margen del instrumento del que estemos hablando, ciertas zonas del espectro tienen sensaciones subjetivas asociadas:

Un realce en las frecuencias en torno a 31-125 Hz da sensación de fuerza y potencia. En los 125-400 Hz encontramos la calidez y el cuerpo de muchos instrumentos. En torno a los 400-600 Hz hay mucha riqueza en el sonido, pero un exceso de estas frecuencias puede hacer que la mezcla suene turbia y confusa.



Los 1000 Hz confieren un sonido nasal, mientras que alrededor de los 2 kHz los instrumentos ganan en dureza e intensidad. La zona alrededor de los 3-6 kHz es muy importante, ya que es la más sensible del oído humano y proporciona presencia, definición, excitación.

Realzar la banda de los 8-12 kHz aporta brillo, aunque en exceso puede exagerar la sibilancia. Mucha gente define las frecuencias a partir de los 12 kHz como la zona del "aire" y ligereza.

Roger Montejano

martes, 24 de junio de 2014

Espectro de un Instrumento

A la hora de ecualizar debemos tener en cuenta que un instrumento musical no se localiza únicamente en un punto del espectro audible: abarca un rango de frecuencias.

Así, el bombo de una batería puede tener un armónico fundamental de 70 Hz, y realzando esta frecuencia se obtendrá más potencia, pero el ataque de la maza contra el parche puede estar en torno a los 2-3 kHz, y éste puede ser un buen punto a realzar si queremos que el bombo corte más en la mezcla.

De igual manera, el cuerpo de la voz puede estar en torno a los 200 Hz, pero la inteligibilidad está en torno a los 3 kHz, y para reducir la sibilancia debemos buscar en torno a los 6-10 kHz.


Una buena forma de localizar estos puntos en frecuencia es aplicar un realce generoso y mover la frecuencia central hasta que escuchamos que el sonido que buscamos aparece súbitamente. Una vez sabemos qué frecuencia buscamos, podemos aplicar el realce o corte apropiado.


En el gráfico adjunto se muestran las notas fundamentales y armónicos de algunos instrumentos. Estas frecuencias son aproximadas y deben ser tomadas como puntos de referencia donde empezar a buscar un sweet spot en el instrumento.

Roger Montejano

Espectro en Frecuencia

El oído humano, como media, percibe desde los 20 Hz hasta los 20.000 Hz, variando estos límites en función de diversos factores como la edad, exposición prolongada a altos niveles de presión sonora...


A este rango de frecuencias se le denomina Espectro Audible de frecuencias y suele representarse de forma logarítmica. Esto quiere decir que el eje sobre el que se "pintan" las frecuencias no varía de forma lineal (1, 2, 3, 4, 5...), sino que lo hace tomando logaritmos. El efecto es que se pasa de 10 a 100 en grupos de 10, de 100 a 1.000 en grupos de 100, de 1.000 a 10.000 en grupos de 1.000, etc.

El uso de este tipo de escala obedece principalmente a dos razones. Por un lado, estos ejes son muy útiles para representar magnitudes cuyos extremos distan mucho entre sí. Probando a dibujar una escala lineal de 1 a 20.000 en un papel lo entenderemos rápidamente...

Por otro lado, la percepción del oído humano interpreta los cambios en frecuencia de manera parecida a la logarítmica: subjetivamente hay la misma distancia entre el La4 (440 Hz) y el siguiente La5 (880 Hz) que entre el La5 (880 Hz) y el La6 (1760 Hz), cuando en el primer intervalo la distancia es de 440 Hz y en el segundo de 880 Hz.

Estos intervalos en los que se pasa de una frecuencia al doble de ella misma se denominan octava, siendo muy común la representación del espectro audible en bandas de octava:

31 - 62 - 125 - 250 - 500 - 1k - 2k - 4k - 8k - 16k (Hz)

Cuando se requiere más detalle, se usa la representación en tercios de octava, en la que entre cada una de las bandas anteriores existen otras dos (31 - 40 - 50 - 62 - 80 - 100 - 125 ...).

Roger Montejano

lunes, 9 de junio de 2014

Monitores de Estudio (2ª parte)

Vamos hoy con una parte más que fundamental en nuestra instalación. De poco nos servirá tener una tremenda mesa, precisos micros, poderosos efectos etc... etc... si a la hora de la mezcla nuestra escucha está distorsionada o mejor expresado "coloreada", ya que si esto ocurre, lo más probable será que en nuestro centro de control (estudio) todo suene de maravilla, pero al sacarlo a cualquier equipo exterior: coche, discoteca, equipo Hi- Fi etc... nuestra mezcla suene más bien de pena. Seguramente el bonito color que nuestra escucha en mezcla nos proporcionaba, se ha convertido en un exceso de graves, unos molestos pitidos en los agudos o un soniquete a caja hueca por problemas en los medios.

Evidentemente el técnico de mezcla actúa en función de la escucha que recibe, con lo cual la acústica debe ser lo más precisa, real y perfecta posible.



La instalación idónea, constaría de:
- Un par de monitores de baja distorsión y alta potencia que ubicaremos a cierta distancia de la posición de escucha. Estos monitores van a facilitarnos el análisis intenso de la calidad del sonido grabado. Para esto sería conveniente que contaran con:

Sensibilidad: elevada
Baja distorsión
Sonido lineal, no coloreado. Sonido real.
Haces de radiación ancho. Con el fin de no perder agudos a distancia.
Elevado margen de potencia para picos (Headroom)

- Dos monitores más de baja potencia que van a emular las condiciones de escucha "casera" o habitual de nuestro futuro oyente. Puede incorporarse también un pequeño monitor que nos proporcione la escucha en mono para poder analizar y percibir la mezcla en todas las posibles situaciones.
Evidentemente, si nuestro presupuesto es medianamente modesto, podemos decidirnos por una pareja de monitores que nos hagan la mayoría de las funciones. Si os sirve de consuelo, no es fácil encontrar muchos "home" con cinco o seis cajas solo para monitorización.

En cualquier caso, lo que sí os recomiendo es que, tanto si la compra es grande como pequeña, sea de calidad y sobre todo que los monitores sean de lo más lineal posible, ya que aunque nuestra sala, habitación o cabina de control seguramente va a colorear las señales, nuestra prioridad será procurar la máxima neutralidad posible.

¿Dos o tres vías?
Una gran mayoría de instalaciones cuentan con sistemas de dos vías, bass-reflex, con un woofer para graves y una bocina para el resto de banda. Esto simplifica los filtros de cruce, distorsión y pérdida de potencia.

Podemos optar por monitorado de tres vías si contamos con filtros de cruce de calidad y ajuste óptimo. La ventaja fundamental de la que nos beneficiaremos instalando equipos de tres vías será que la banda de medios ( la de mayor sensibilidad del oído) va a ser reproducida por un único altavoz , lo que garantiza una alta definición y linealidad en esa banda.

¿Monitores digitales?
Teniendo en cuenta que muchas de las instalaciones, por no decir todas tienden a los sistemas digitales ¿por qué no los monitores? . Muchos de los monitores que se están comercializando disponen de conexiones digitales, incluso analógicas y digitales para que el usuario decida como va a realizar su instalación. Resumiendo, podríamos concluir en que las ventajas van a estar en la línea de las mejoras o posibilidades que nos ofrece la tecnología digital. Por ejemplo, podríamos efectuar determinadas programaciones en nuestro monitorado digital para simular diferentes escuchas: altavoces de televisión, altavoces de aparatos de radio etc... esto supone que quizás con una buena pareja de monitores digitales, podríamos ahorrarnos otras partidas de cajas que vayan simulando una por una las variadas posibles escuchas.

Más que estéreo
Como todos sabéis la tecnología va a toda maquina. En este sentido, los sistemas de Sorround están evolucionando a pasos agigantados y algunos estudios, así como "homes de lujo" empiezan a contar con instalaciones Sorround. Hace unos días estuve en una demo de una nueva mesa que contaba también con este sistema panorámico y la verdad es que la sensación espacial era más que alucinante pasando el sonido de una esquina a otra de la sala tan solo con mover nuestro dedo por la pantalla del ordenador o sistema de control.


Como es de suponer, la correcta situación de los monitores en el estudio es primordial. Hemos de tener en cuenta que con seguridad cada sala, cabina o centro de control va a proporcionar un "color" diferente al sonido en función de sus condiciones y características acústicas. Por este motivo, hemos de procurar situar los monitores en el lugar más conveniente para evitar a toda costa percepciones confusas de nuestras señales. 
Manuel Gallego

20 trucos para tocar en directo


[1] Échate un cable. Todos los meses, saca los cables, comprueba que no tienen cortos, ábrelos y echa un vistazo a las conexiones. ¿Tienes en buenas condiciones las tuercas de los conectores? ¿Están los cables gastados o deshilachados? ¡Deshazte de ellos antes de que se deshagan de ti!

[2] ¡Cuida tus fusibles! Revisa los fusibles de todos tus equipos. Compra unos cuantos y llévatelos a cada actuación (conviene pegarlos con celo dentro de las fundas de los instrumentos para tenerlos a mano cuando los necesites). No, repetimos, no se te ocurra cambiar los fusibles de alimentación (ni cualquier otro) por trozos de cable, clavos oxidados, papel de aluminio ni cuerdas de guitarras. No sufrirás ningún daño – ya estarás muerto antes de chocar contra la pared del fondo del escenario – pero los que estén cerca de ti van a cabrearse mucho… ¡Seguro!

[3] Bien pegados. P: “¿Qué es circular, luego recto y une a todo el mundo?” R: “La cinta adhesiva”. Es cierto, la cinta adhesiva ha sido moneda de cambio habitual en todos los conciertos celebrados hasta la fecha. Mantiene, fija y sujeta los cables a los suelos, las paredes, los techos y demás. No salgas de casa sin ella. La cinta que mejor resultados ofrece es la americana gris de tipo 3M o similar.

[4] Pisando las tablas. Hace un millón de años luz, alguien hizo una gira de 48 conciertos. El director escénico, que tenía experiencia en el teatro, le echó una bronca tremenda a todo el mundo: “¡Un escenario limpio es un escenario feliz!”, e inmediatamente obligó a algunos roadies a coger la escoba y el recogedor. Vale, estaba un poco loco, pero tenía razón. Si el escenario está ordenado evitarás muchos accidentes. Precinta todos los cables al suelo y manténlos fuera del alcance del público y de los músicos. Esconde todas las bolsas, abrigos y maletines, porque consiguen que el escenario parezca una sala de equipajes perdidos. Si piensas profesionalmente, contagiarás a los demás.

[5] ¿Qué es ese ruido? No enchufes los instrumentos con los faders ni los controles de volumen arriba. Es propio de novatos y perjudica seriamente a los altavoces. Si lo intentas cuando estés trabajando con un equipo de sonido profesional, te irás acostumbrando a usar las muletas en menos de dos días por cortesía de los técnicos e ingenieros.

[6] ¿Dónde está Wally? Después de cada concierto repasa todo lo que te has llevado. Antes de irte, comprueba los lugares más probables y, sobre todo, los más improbables. Y cuando hayas terminado, vuelve a revisarlo todo. Si lo que te llevas a un concierto es importante ( ya sea un sinte, un ampli o un paquete de chicles), será igualmente importante que vuelva a casa contigo.

[7] Controla los discos. Llévate dos copias de seguridad de cada tarjeta FLASH, disco duro, diskette, disco Zip o el medio de almacenamiento que uses. Guárdalos en dos sitios completamente independientes, como la bolsa de los cables y tu mochila de siempre. Si pasa lo peor, y no funciona el disco principal, por lo menos dispones de dos oportunidades para volver a cargarlo en directo. Y conserva una copia de todos tus archivos en el PC o Mac de tu casa.

[8] ¡Vaya transformación! Muchos teclados y dispositivos para tocar en directo utilizan sus propios transformadores y alimentadores, pero también conviene que lleves uno de reserva. Los fabricantes cambian hábilmente el voltaje y el tamaño de los conectores, así que ten cuidado. Un transformador de corriente alterna de 15V hará auténticos desastres con un sinte de 9V, así que emplea el alimentador adecuado. Si estás desesperado, siempre puedes echar mano de uno de esos transformadores múltiples para emergencias.

[9] Los soportes. Asegúrate de que tienes los soportes y los racks adecuados para todos tus teclados y equipos. Lo que te va bien en tu cuarto no tiene por qué valer en escena. Asegura su estabilidad en los ensayos y si no es así, cámbialos… porque seguro que se caerán durante el concierto. También debes marcar con un rotulador o cinta la altura a la que quieres que estén. Con las prisas de montar es fácil ajustarlos a una altura equivocada y, créenos, ¡un solo centímetro de diferencia resulta tan incómodo como ducharse con los calzoncillos puestos!

[10] Programa tu actuación. Si basas tu concierto en una lista de temas, llévate unas cuantas copias extra por si acaso. Tienen la asombrosa costumbre de autodestruirse diez minutos antes de la actuación. Si no, ¡tendrás que improvisar con el rollo de papel higiénico! Asegúrate de que toda la gente con la que estás trabajando tiene la misma lista de temas.

[11] Controla tu euforia. Armarse de valor y relajarse un poco puede formar parte del ritual de la actuación. Sin embargo, es muy fácil emborracharse y hacer el pelele delante de 300 personas. También es una forma segura de perder conciertos, a menos que tengas que conservar una extraña reputación.

[12] Cubatas en la tarima. No es muy agradable que cinco euros de cerveza acaben derramados sobre 5.000 euros invertidos en equipos, así que no conviene tener bebidas cerca de ellos, a menos que sean botellas de agua con tapones a prueba de tontos.

[13] Por otra parte… si no conduces, cuando termina el concierto, es habitual quedarse tomando unas copas, ¡aunque posiblemente el gorila de la puerta no sea amigo tuyo! En realidad, todo depende de si hay que aclarar algunas cuentas, o si es hora de ir pirándose. Es mejor volver a casa, sacar las birras y los cubatas del frigo ¡y empezar entonces una nueva fiesta!

[14] Perdido en el espacio. Resulta sorprendente la facilidad que tiene la gente para indicar una dirección equivocada y quedarse tan ancha. Cómprate un callejero y un mapa de carreteras, consigue la dirección exacta del local y anota el número de teléfono. Repasa el mapa y vete al concierto. ¡No supongas nada! Las indicaciones que hablan del número de farolas, campanarios de iglesias y fábricas (que debe haberse tragado la tierra, porque si no…) no sólo son dudosas, ¡sino también lamentablemente habituales!

[15] A quien madruga… Date un tiempo suficiente para llegar al local y montar todo con tranquilidad. Y añade algo más. Apresurarse en un club medio lleno con el promotor mordiéndote la oreja y el DJ residente riéndose de ti, suele provocar que montes el equipo de tal forma que quede inútil en unos segundos. Eso también quiere decir que te pasarás los 15 primeros minutos de tu actuación intentando orientarte en el escenario y en la actuación.

[16] Ven conmigo. A algunos artistas les gusta subir gente al escenario, y a otros no. Es una decisión que depende de ti y de la gente que trabaje contigo. Una o dos personas están bien, pero un escenario lleno de público es un caos tremendo y una situación para provocar accidentes.

[17] Se mira pero no se toca. Asegúrate de que nadie, excepto los músicos y los técnicos, toque o manipule los equipos antes o después del espectáculo. Dejar que tu primo “Tino” de cuatro años juegue con los platos en una fiesta familiar es un preludio para que su padre y sus colegas del equipo de rugby se pasen de la raya en un ataque de “diversión” cuando estén borrachos. ¿Y van a darte algo de pasta para compensar los equipos que han destrozado? Tendrás suerte si se disculpan. ¿Por qué no les pides que te dejen darte una vuelta en su nuevo BMW aunque no hayas conducido nada más grande que un cortacésped? Es más o menos lo mismo…

[18] Alquila un PA. Es muy recomendable conseguir un PA (el sistema de sonorización Public Address) para dar conciertos en locales que no tengan su propio sistema de altavoces… o sino, alquila uno. Antes de nada, cuéntale a la compañía lo que necesitas (micros, salidas, monitorización y demás). Y sé amable con ellos. Si no te portas bien con los técnicos del PA, seguro que sonarás como un contestador telefónico desvencijado, así que trátales bien.

[19] Los VIP. Una sala normal se portará bien con tu lista de invitados, siempre que cada miembro del grupo no invite a más de dos personas. No puedes esperar que el dueño del local se quede conforme si le presentas una lista de 30 amigotes.

[20] El contrato. Aunque sea un simple papel que diga el día, la hora, el local, quién toca, quién paga y cuánto paga, eso mucho mejor que nada, que es lo que acabarías cobrando sin un contrato. Por cierto, asegúrate de cobrar en metálico o con un cheque conformado siempre antes de salir a tocar -es lo más recomendable si no quieres irte con las manos totalmente vacías. Eso de “el promotor está llegando con un cheque” o “venga, tocad, luego arreglamos cuentas” suele fallar en once de cada diez ocasiones… Ya nos entiendes.
Future Music

Coros, Voces de fondo, Voces Dobladas

La guinda de un buen pastel musical son las voces de fondo. Sin embargo, la gente que empieza a hacer música, suele añadirlas como una ocurrencia de última hora. Eso es un error, porque unas buenas voces de fondo te diferenciarán de cualquier otro aspirante a productor. Pero, ¿qué son las voces de fondo, por qué debes ocuparte de ellas, y qué debes hacer para conseguir que suenen bien?
La música es una forma de comunicación, y ningún loop de batería, CD de samples ni sinte hardware o software lograrán comunicarse con tu audiencia de un modo más directo y efectivo que la voz humana.
Por eso casi toda la música del mundo incluye algún tipo de voz. Las voces de apoyo nos permiten acentuar las frases y palabras más importantes de un tema o enfatizar la fantástica melodía de la voz principal. “Voz de fondo” es un término genérico que abarca casi todas las voces de una canción que no son la solista. Sin embargo, es posible clasificar distintos tipos de voces de fondo en varias categorías…

Voces dobladas
Hablamos de voces dobladas cuando grabamos una voz casi idéntica a la voz solista y reproducimos las dos juntas. El resultado final es una voz solista más grande, gruesa y vibrante, donde no se distingue la segunda toma. Por ejemplo, esta técnica suele aumentar el interés de un estribillo. Si decides doblar voces en tu tema, presta especial atención al timing de la voz principal.

Armonías
Un coro, o armonía, es una parte vocal sincronizada que sigue con exactitud el ritmo y el fraseo de la voz solista, pero a un tono diferente. El tono de la armonía suele estar muy relacionado con el tono de la voz principal, y a menudo sigue la misma “forma melódica” (es decir, sube cuando sube la solista, y baja cuando ésta baja). Algunos productores y arreglistas prefieren diseñar sus coros por anticipado y se los enseñan al cantante, a veces escritos en una partitura, o más a menudo, cantándoselos directamente al vocalista.
Otros dejan que el cantante improvise sus propias armonías. Esto es muy útil para animar tus temas con nuevas ideas, así que no tengas miedo de que tu cantante asuma parte del trabajo. En los coros siempre parece que cantan varias personas (muchas veces, es la misma) y suenan geniales en los estribillos. Apila varias voces en un gran estribillo ¡y ve directo a la cima de las listas de éxito!

Respuestas
Casi todas las voces de fondo siguen a la voz solista con gran precisión, pero las respuestas cuentan con un ritmo y una melodía propios –incluso cantan frases exclusivas. A menudo, suenan a la vez que la voz solista, con cuidado de no colisionar con ella. Un tipo de respuestas serían los típicos “ooohs” y “aaaahhs” que contestan a la voz principal en muchas canciones pop, o las múltiples capas de voces. Este tipo de voces añade mucha vitalidad y energía a un tema, así que merece la pena probarlo.

Improvisaciones
Por su definición, las voces improvisadas suceden de forma espontánea. A veces suenan en el último estribillo de una canción, cuando se supone que el tema llega a su clímax. Lo mejor para obtener buenas improvisaciones es dar libertad al vocalista para que se deje llevar por la emoción del tema. Después de registrar la voz principal, dale vueltas a la canción y graba lo que haga el cantante. ¡Quizá encuentres joyas inesperadas!

Detalles
Son esos gritos, ocurrencias y chillidos divertidos que oyes en todo tipo de canciones de cualquier estilo, desde rap a rock. Los detalles suelen sonar mejor si están doblados o bloqueados. No seas tímido, y llena tus temas con esta clase de ingredientes.


CONSEJOS

1. No permitas que las voces de fondo compitan con la solista, sobre todo cuando dobles voces y hagas armonías: esa nueva toma sólo debe respaldar la voz principal anterior para que suene mejor. Concéntrate para cantar justo lo mismo, pero de una forma más moderada, “al fondo del escenario”.

2. Las palabras “muy bien” pronunciadas son más inteligibles, en especial en los bloques vocales Si combinas varias voces descuidadas no se entenderá nada, así que asegúrate de que tu cantante pronuncie cada palabra con claridad.

3. Ahora bien, las voces de fondo no deberían pronunciar el final de las palabras, sobre todo si acaban en ‘T’ o ‘S’ –cuesta más sincronizar los finales de las palabras que sus principios. Siempre y cuando la voz solista pronuncie con claridad el final de las palabras, no perderás un ápice de inteligibilidad.

4. Hazte una idea de lo que deseas conseguir antes de empezar, y cuéntasela al cantante para centrar vuestra atención en esa tarea común. Sigue el plan previsto tanto como sea posible, pero no tengas miedo de experimentar si de repente se te ocurre algo genial.

5. Mantén motivado a tu cantante. Si no tienes cuidado, la grabación de voces de fondo será un proceso
muy largo y aburrido. Anímale con críticas constructivas y aplaude todo lo que haga bien.


Future Music

domingo, 8 de junio de 2014

Mastering

La diferencia más obvia entre una producción casera y otra de cuyo mástering se ha encargado un profesional, es la energía percibida. Los temas comerciales “saltan a tu cara” al reproducirlos, debido a la aplicación meticulosa de compresores y limitadores sobre la mezcla final. La compresión de picos despeja el camino para un incremento del volumen promedio: al menos, esta es la receta para que las producciones compitan en la radio FM y los clubes.

Por culpa de esta especie de norma de facto, nuestros oídos aguantan niveles cada vez mayores. Es excitante, pero también peligroso, y encima va en detrimento de la dinámica y del espíritu musical en general. Si te subes al carro del “dale caña”, igualarás la potencia de las producciones de tu vecino, y éste aplicará aún más compresión para destacarse de nuevo.

Captura en tu editor de audio un par de minutos de cualquier radio-fórmula. ¿Ves? Apenas dejan que la forma de onda respire –hasta la voz del locutor o las cortinillas (anuncios nauseantes que anuncian el nombre de la emisora) llegan a los 0dB digitales. Tanta uniformidad se hace odiosa tarde o temprano. Los mejores ingenieros de audio saben que no conviene pasarse de rosca…


El impacto de la EQ

Otro proceso esencial que debes dominar para un buen mástering es la EQ. No nos referimos al ajuste tonal de pistas individuales –de eso te ocupas en la mezcla– sino del balance de frecuencias sobre el archivo estéreo final. En general, se aconseja eliminar todo vestigio de actividad por debajo de 40Hz, ya que el 99 por cien de los altavoces en los que reproducirás tu tema no llegan tan bajo. Así, además, aprovechas el margen dinámico con más eficiencia, pues muchos compresores se confunden con los zumbidos en sub-graves.

Para las frecuencias medias no hay trucos universales, pero presta atención a las áreas de 100-300Hz (marcan la definición del sonido), 300Hz-1kHz (afectan a la “nasalidad” del audio), y 1-3kHz (demasiado énfasis en esta última zona hace que todo suene embrutecido y chirriante).

El tratamiento de las frecuencias agudas es otro aspecto que “canta mucho” cuando no lo abordas de
un modo profesional. Muchos ingenieros prescinden de retoques directos más allá de 5kHz, integrándolos
en la operación de algún módulo excitador que, de un modo casi mágico, confiere a la mezcla ese lustre
que todos sabemos apreciar. Como ya supondrás, la experimentación con la EQ te ayudará para que
entiendas y aprecies todos los procesos involucrados.

Sonido al límite

Los limitadores constituyen casi siempre el paso final en las cadenas profesionales de mástering. La diferencia entre estos procesadores y los compresores es que los últimos reducen el nivel promedio (por eso aplican ganancias de compensación), mientras que un limitador exprime hasta el último dB –aumenta el volumen pero evita picos digitales a la vez. Ambos procesos cuentan con un umbral (threshold): los compresores atenúan las señales que lo superan, mientras que los limitadores les aplican ganancia adicional para adecuarlas al tope superior (ceiling, normalmente los 0dB o unas pocas décimas por debajo).
Una cadena estándar para mástering llevará un EQ para el balance de frecuencias, un compresor sin ganancia de compensación para el tamizado de picos de señal/ reducción del rango dinámico, y por último, un limitador que eleva el nivel promedio hasta un punto cercano al máximo digital.

CM

viernes, 30 de mayo de 2014

Amplificador Nivelador Clásico TELETRONIX® LA-2A

El más famoso compresor electro-óptico clásico amplificado por válvula T4, fiel al diseño original
Los profesionales del audio veneran el LA-2A. Su versión original recibió reconocimientos inmediatos debido a las características de su compresión natural y pareja. Un sistema de atenuación electro-óptica de válvula permite la reducción de ganancia instantáneamente y sin incrementar la distorsión armónica - todo un logro en aquel tiempo, el cual sigue siendo apreciado hoy. Esta fidedigna reedición de Universal Audio marca el renacimiento del Teletronix LA-2A. Un cuidado minucioso ha sido empleado para asegurar que cada nuevo LA-2A provea las características de funcionamiento del amplificador original. El cableado de cada unidad es hecho a mano, punto por punto y construido en Scotts Valley, California, con cada componente analizado cuidadosamente para verificar su autenticidad. En consecuencia, el LA-2A de hoy garantizará a todas tus grabaciones las mismas características de compresión legendaria del original.



Cada unidad es fabricada a mano con el cableado realizado en el local de UA y la autenticidad de cada componente es meticulosamente comprobada. No se han escatimado esfuerzos para garantizar que LA-2A traerá aquel sonido clásico a tus grabaciones. Exige el original. No aceptes copias.

Características:
Diseño, fabricación y funcionamiento fieles al original
Sistema de atenuación óptica sin distorsión y libre de retraso de señal
Distorsión de menos de 0.5% THD
Limitación de ganancia de 0 a 40 dB
Interconexión estéreo balanceada
Respuesta de frecuencia 1 dB, 30 a 15,000 cps
Nivel de salida de 10 dBm y 40 dB de ganancia
Bajo nivel de ruido – menos de 70 dB bajo ±10 dBm de salida
Hecho a mano en Estados Unidos, respaldado por una garantía limitada de un año
Especificaciones técnicas:
Impedancia de entrada
50, 150, 250, 600 ohmnios
Carga de impedancia de salida
50, 150, 250, 600 ohmnios
Conexiones externas
Terminales Jones Barrier y conectores XLR
Respuesta de frecuencia
+0/-1 dB 30 Hz hasta 15kHz
Ganancia
40 dB ±1dB
Nivel de entrada
+16 dB máximo
Nivel de salida
+10 dB nominal, +16 dB máximo
Distorsión
Menos de 0.5% THD (0.25% es típico) a ±10 dBm
Ruido
70 dB abajo +10 dBm de nivel de salida
Tiempo de ataque
10 milisegundos
Tiempo de recuperación (release time)
0.06 segundos para 50% de recuperación; 0.5 a 5 segundos para recuperación completa
Medidor
Reducción de ganancia dB y dB de salida
Requerimientos de poder
35 Vatios, 120/240 Voltios, 50/60 Hz
Ambiental
Temperatura de operación máxima de 160°F
Dimensiones
19" Rackmount chassis, 3U
Peso
13 libras

UNIVERSAL AUDIO Amplificador Limitador Clásico de Dos Canales 2-1176

Dos canales de compresión clásica 1176LN estilo FET, emparejados en estéreo en un equipo individual
El 2-1176 posee dos canales de circuitos Clase A, transformadores de salida diseñados de manera personalizada y reducción de ganancia tipo FET del 1176LN original, todo emparejado en estéreo para una mejor imagen estéreo. El sonido único y las capacidades estéreo del 2-1176 han atraído a una gran cantidad de artistas e ingenieros (desde Norah Jones con Jay Newland hasta Helmet con Charlie Clouser), a emplear sus servicios para grabar sus álbumes. Con opciones de trabajar en modo “Link” (enlace), para compresión en estéreo, o modo mono “Dual”, el 2-1176 ofrece el doble de carácter y el doble de las características del original, todo en un solo equipo. Incluye el clásico botón del modo “All”.



Finalmente, un verdadero 1176 en estéreo. Con más de 2000 unidades ya vendidas desde el renacimiento del 1176LN de Universal Audio en el año 2000, queda claro que la relación amorosa entre el público y el legendario sonido del 1176 sigue tan pasional como siempre.
El 2-1176 proviene del diseño de circuito del inmensamente popular Channel Strip 6176 de UA, y combina dos canales 1176 de esa unidad (con un diseño intransigente, con los mismos componentes), emparejado en estéreo.

Características:
Dos canales de compresión clásica estilo 1176LN FET, emparejados en estéreo
Operación cambiable en modos “Link” en estéreo o “Dual” en mono
Controles de compresión y ganancia totalmente independientes en modo “Dual” mono. Incluye el clásico modo “All”
Tiempo de ataque ultrarápido — 20 microsegundos a 800 microsegundos
50 milisegundos a 1.1 segundos de tiempo de recuperación
Conveniencia de espacio de rack de dos 1176s en un diseño de rack de 2U
Hecho a mano en Estados Unidos, respaldado por una garantía limitada de 1 año
Especificaciones técnicas:
Impedancia de entrada
Seleccionable, 15k W o 600 W
Carga de impedancia de salida
600 ohmios, flotante

Conexiones externas
Conectores XLR

Respuesta de frecuencia
±1 dB 20 Hz hasta 20 kHz

Ganancia
40 dB, ± 1dB

Distorsión
Menos de 0.5% de distorsión armónica total desde 50 Hz hasta 15 kHz con limitación, a 1.1 segundos de tiempo de recuperación. Salida de +20 dBm con no más de 0.5% T.H.D.

Proporción de señal a ruido
Más de 85 dB

Tiempo de ataque
20 microsegundos hasta 800 microsegundos

Tiempo de recuperación (release time)
50 milisegundos hasta 1.1 segundos

Interconexión en estéreo
Ataque y tiempo de recuperación del Canal A se enlaza al Canal B mediante el modo LINK

Medidor
Reducción de ganancia en dB y dB de salida

Requerimientos de poder
120/240 V

Dimensiones
19" Rackmount chassis, 2U

Peso (sin caja)
9.6 lbs.

viernes, 16 de mayo de 2014

Auriculares en el Estudio

La aplicación más común para unos auriculares en un estudio es la de monitorizar la reproducción musical mientras grabas. Ya sea que vuelvas a escuchar los temas que ya hayas grabado, o que quieras oírte a ti mismo por encima de los demás, es crucial poder escuchar lo que estás haciendo. Eso idea es bien obvia en el caso de los vocalistas pues éstos necesitan oír todo el tema, oírse a ellos mismos con claridad, y que el sonido de los monitores quede aislado del micrófono. Hay raras excepciones en las que no importa que el cantante compruebe cómo queda el sonido a través de los monitores a la vez que le estás grabando, pero si quieres que su trabajo esté libre de todo tipo de derrame sonoro, necesitarás auriculares que les permitan oírse a sí mismos, pero que eviten que el micrófono capture ese sonido.

Producir, mezclar, o masterizar con auriculares siempre ha sido un tema de debate, pero hay personas que se ven obligadas a ello debido a su peculiar entorno de mezcla o demás circunstancias. Si tu estudio posee paredes delgadas o te gusta trabajar de noche, quizá tendrás que plantearte usar auriculares. No es para nada el modo ideal de trabajar, pero iremos viendo cómo mejorar el proceso a lo largo de este artículo.

Almäví Estudios

Tipos de auriculares
Los auriculares se dividen en dos categorías principales: auriculares situados sobre el oído (‘on-ear’) y los colocados dentro del oído (‘in-ear’). Los primeros cubren todo el oído y los otros se introducen dentro del canal auditivo. Los auriculares ‘in-ear’ (como los usados en los reproductores de MP3) tienen poca aplicación en el audio profesional pues apenas sirven para algo más que comprobar el sonido general de una mezcla. La excepción a esta regla es el monitor ‘in-ear’ (IEM), una especie de auricular ‘in-ear’ de gran calidad diseñado para su uso con un transmisor/ receptor inalámbrico para que los artistas monitoricen sobre el escenario –y a veces en los estudios. Los modelos IEM poseen altos niveles de aislamiento del ruido ambiental y niveles muy bajos de “derrame” –la cantidad de sonido que se escapa de los auriculares– y ambas facetas se prestan bien a su uso por cantantes.

Los auriculares ‘on-ear’ son los que más te pueden interesar y suelen presentar dos formas. En los auriculares “circum-aurales” el casco posee la forma de una gran taza que cubre todo el oído. Es el tipo más común de auricular de estudio pues su forma asegura que el sonido no se derrame hacia el micrófono. La otra alternativa es el diseño “supra-aural” situado en la parte superior del oído. Pesan menos, pero ofrecen menos aislamiento del sonido ambiental y un derrame sonoro mayor.

La inmensa mayoría de auriculares de estudio emplea un driver de bobina móvil que opera en forma similar a un altavoz: la señal de audio pasa a través de un alambre enrollado unido a un diafragma. El alambre de voz está suspendido en el campo magnético de un imán fijo. Cuando lo atraviesa una corriente, el campo magnético inducido por el alambre hace que el diafragma se mueva y eso genera ondas sonoras. El proceso es similar al que usa el driver de un altavoz, aunque el auricular usa un diafragma más delgado y ligero que el pesado cono de papel de los altavoces. El transductor de cada auricular es muy similar al de un micrófono dinámico –si eres lector fiel de nuestra revista, recordarás el artículo sobre micrófonos donde decíamos que éstos funcionaban como altavoces rudimentarios y viceversa.

Aspectos clave
Quizá la variable más importante para elegir unos auriculares de estudio es saber si optarás por un diseño abierto o cerrado. Los diseños cerrados encapsulan de forma completa la parte trasera del diafragma, pero los diseños abiertos la dejan más expuesta. Por eso, los diseños cerrados (sobre todo los de tipo circum-aural) exhiben un gran aislamiento del ruido exterior y menor derrame. Al grabar, es del todo indeseable que se produzca derrame desde los auriculares y por eso los diseños cerrados son la elección más obvia. Debido a que aíslan el ruido exterior de forma más eficaz, también son preferibles cuando los músicos necesitan oírse a ellos mismos por encima de los demás sonidos. La pega más importante es que a los diseños cerrados les cuesta trabajo reproducir los transitorios graves, con lo que generan un sonido grave retumbante.

Los auriculares abiertos se diseñan para que el diafragma se mueva de forma más libre y suelen ofrecer un sonido más preciso que los diseños cerrados. Por eso, el sonido suele ser más claro, más preciso, y con unos graves menos retumbantes. Si el aislamiento es una prioridad, los diseños abiertos no serán una buena elección. Si por el contrario no es tan relevante, un diseño abierto quizá te de un sonido más preciso y claro y eso les hace ser válidos para algunos propósitos. Si te ves obligado a mezclar usando auriculares, quizá debas optar por un diseño abierto. Incluso así, sólo recomendamos que mezcles con auriculares como último recurso.

Las demás razones de la elección de auriculares se deben a factores más obvios: cómo suenan y que volumen poseen. Además de la respuesta general en frecuencia, el nivel de salida estimado, y demás características sonoras –todo lo cual sólo es discernible a través de la comparación directa– deberías considerar su impedancia. Si todo lo demás es igual, los auriculares con una impedancia menor sonarán más altos, pero si el ampli de los auriculares maneja bien la impedancia, entonces no habrá problema alguno.

Un factor menos obvio y que mucha gente no tiene en cuenta es el asegurarse de que haya repuestos disponibles. Los auriculares siempre están expuestos a sufrir daños en un estudio y si puedes reparar los daños, eso te ahorrará mucho dinero a la larga. Quizá eso te obligue a gastar algo más de dinero de primeras, pues los fabricantes no suelen ofrecer repuestos, pero cuando arregles los auriculares por vez primera, te confortará saber que te habrás ahorrado el precio de unos nuevos.

Amplificadores y “crossfeed”
Como sucede con los altavoces, la amplificación es esencial para sacar el mayor partido a los auriculares. Los amplificadores de alta calidad generan un sonido más claro y preciso tanto en auriculares como en altavoces. La potencia es otro factor clave para lograr una señal lo bastante alta de los auriculares. Si estás grabando un instrumento alto (como la batería) tendrás que poder oírte por encima de él. Por eso, la potencia es un factor vital al elegir un amplificador decente de auriculares para monitorización. No sirve tener un amplificador muy preciso para unos auriculares si no lo puedes oír porque su volumen no llegue tan alto. La impedancia juega aquí un importante papel pues es inútil elegir un amplificador de auriculares que no haga trabajar a tus auriculares (o vice versa). De nuevo, si usas auriculares de buena calidad y un amplificador de auriculares de buena calidad, es improbable que acabes teniendo problemas.

Aunque no es una tecnología muy conocida, hay un aspecto bastante descuidado que poseen algunos amplificadores de alta gama para auriculares y que te será muy útil si vas a mezclar con auriculares. ‘Crossfeed’ es una técnica usada para crear una imagen estéreo más realista al usar auriculares. Cuando oyes un par de altavoces, no oyes realmente el canal izquierdo en tu oído izquierdo y el canal derecho en el derecho. Aunque si piensas en ello verás su obviedad, uno de los mayores fallos de los auriculares es que crean un equivocado balance estéreo. El resultado es que la imagen estéreo general será muy diferente a la oída en los altavoces.

La técnica ‘crossfeed’ intenta resolver este problema mezclando parte del canal derecho en el oído izquierdo y parte del canal izquierdo en el derecho. Este proceso altera mucho las frecuencias graves y suele incorporar un retraso temporal en la señal con ‘crossfeed’ para dar cuenta del hecho de que el sonido del altavoz derecho tardará un poco más en llegar al oído izquierdo que al derecho. El efecto general hace que los auriculares suenen mucho más cercanos a los altavoces o a los monitores de estudio. De nuevo, si tienes que mezclar con auriculares, deberías considerar un buen amplificador de auriculares con ‘crossfeed’ para acercarte al sonido que oyes desde los monitores.

Ya sea que grabes, mezcles, o sólo quieras comprobar cómo sonarán tus temas en un reproductor de MP3, la correcta selección de los auriculares y de unos amplificadores adecuados te ayudará a oír exactamente lo que deseas.

http://www.futuremusic-es.com/

Consejos para elegir Monitores de Estudio

Ante todo, piensa que resulta imposible garantizar que unos nuevos monitores mejorarán tus producciones musicales, aunque es muy probable que sí lo hagan, y de paso, disfrutarás mucho trabajando con ellos. Si estás muy familiarizado con tus escuchas actuales, quizá te cueste algo de tiempo acostumbrarte a los nuevos monitores.



En la variedad está el gusto
Nuestra primera recomendación es que pruebes diferentes modelos antes de invertir tu presupuesto –es posible que quizá no te convenza el sonido de los monitores de alguna marca. Después de todo, las preferencias en cuestión de monitores de estudio dependen en gran medida del gusto personal.

La ventaja de las tiendas físicas
Si eres buen cliente de alguna tienda, habla con tu contacto habitual para organizar una sesión dedicada y probar todos los modelos de monitores que te interesen -llévate algunos CDs que conozcas bien, quizá incluso con algunos de tus temas. Recuerda que tu objetivo ha de ser la obtención de una reproducción fidedigna, no el sonido más “agradable” o los altavoces con más cuerpo.

Busca el favor de un tendero amigo
Cuando tengas tu selección más acotada, solicita a tu contacto de la tienda la posibilidad de probar tus monitores favoritos en tu sala habitual –para esto tienes que ser muy buen cliente de la tienda en cuestión, pero piensa que es muy probable que esos monitores que te gustan tanto acaben sonando en tu espacio de una forma diferente que en la tienda. Si esto no fuese una posibilidad para ti, pregunta si al menos podrías devolver los altavoces si, tras pocos días de trabajo, decides que no se adaptan a tus necesidades o preferencias.

Sensaciones variables a lo largo del día
Trata de probar tus monitores preferidos en diferentes momentos del día. Aquello que podría haberte sorprendido favorablemente de unos determinados monitores con una escucha de última hora de la tarde, podría tornarse decepcionante en tus oídos frescos de la mañana. Decide tú el mejor momento.

Los monitores sólo son un eslabón de tu cadena
No te olvides de que la salida de tu ordenador depende de la calidad de tu interface de audio. Si vas a invertir una buena suma en unas escuchas, no escatimes en los eslabones restantes de la cadena.

El mercado ofrece interfaces de elevado precio, pero si no necesitas excesivas funcionalidades y conexiones, elige un modelo que te asegure unos excelentes convertidores A/D-D/A. Otro factor que debes considerar seriamente: necesitarás unos sólidos soportes para ubicar tus monitores, que sean estables como una roca y dejen sus tweeters a la altura de tus oídos. Buenos cables con excelentes conectores, apoyos isopad antivibraciones de gomaespuma, por qué no un controlador para monitores… todos ellos son factores determinantes que has de sopesar, y en el momento de la compra, una oferta en pack puede ahorrarte algo en tu presupuesto.

Tienes otras posibilidades
Considera todas tus opciones: unos monitores más pequeños complementados con un subwoofer quizá te permitirán encontrar una posición más apropiada para tus escuchas –esto es algo esencial para sacarles el máximo rendimiento.
http://www.futuremusic-es.com

lunes, 28 de abril de 2014

Puerta de Ruido Drawmer DS201

Es una sofisticada puerta dual de ruido que incorpora un alto número de funcionalidades patentadas por su fabricante. En muy poco tiempo, Drawmer DS201 se ha convertido en un “clásico moderno” de estudio por su excelente conjunto de prestaciones y su ajustado precio. En este post ofrecemos algunas notas de uso, que también son aplicativas a otras puertas de ruido, bien sean éstas hardware o software.


Tanto en Drawmer DS201 como en otras puertas de ruido similares, los filtros 'Key'' evitan la activación de la puerta por un sonido distinto al que debe dispararla. Por ejemplo, imagina que estás utilizando varios micros para grabar una batería, pero sólo quieres pasar el sonido de la caja por la puerta. Es decir, la puerta no debe abrirse con ningún otro elemento de la batería.

Como una puerta de ruido se abre cuando la señal entrante supera el umbral definido, podrías solucionar en parte este problema reduciendo el umbral, pero correrías el riesgo de perder los golpes de caja más flojos. Sin embargo, si utilizas filtros para determinar la respuesta de la puerta, ésta dependerá de ciertas frecuencias y podrás definir con más precisión el sonido que abre la puerta.

Drawmer DS201 lleva dos filtros, uno paso-alto y otro paso-bajo, que se aplican al circuito de disparo sidechain y siempre están activos si no están en sus posiciones extremas (derecha del todo para 'HF', izquierda del todo para 'LF'). Déjalos en esas posiciones si no quieres utilizarlos.

Si pones el conmutador de salida de Drawmer DS201 en 'Key Listen', puedes escuchar el efecto de los filtros mientras los ajustas para eliminar las partes no deseadas del sonido. Girando 'LF' a la derecha reduces la cola de graves, mientras que girar 'HF' a la izquierda recorta los agudos.

Una vez que hayas eliminado las frecuencias problemáticas y te hayas quedado con la esencia del sonido deseado, cambia el conmutador de salida a 'Gate' y la puerta sólo se abrirá con el sonido que has modelado. A continuación, ajusta el umbral para obtener resultados óptimos.

Imagina que quieres pasar la caja por la puerta, pero el charles también la está abriendo de forma errónea. Como el charles y otros platos tienen un gran contenido en agudos, podrías bajar 'HF' hasta unos 2kHz y desechar gran parte de esas altas frecuencias.

Los filtros de Drawmer DS201 tienen otra aplicación al margen de la puerta de ruido, ya que puedes aprovecharlos para ecualizar cualquier señal que los atraviese. En este caso, ajusta el conmutador de salida a 'Key Listen' y podrás usar los filtros para eliminar un poco de agudos, de graves o de ambas cosas de tu señal, o incluso limitar a lo bestia su ancho de banda. Ajusta los dos filtros al mismo valor y obtendrás un sonido con un impacto tremendo.
Sonicplug

jueves, 27 de marzo de 2014

KRK monitores Rokit Generation 3

KRK ha anunciado la nueva serie de monitores de estudio biamplificados Rokit Generation 3 (G3), continuando una saga ya clásica. El lanzamiento se realiza de manera simultánea en todo el mundo, por primera vez en la historia de esta marca.



Los G3 están disponibles en tres versiones distintas: Rokit 5 G3, Rokit 6 G3 y Rokit 8 G3 (equipados respectivamente con woofers de 5, 6 y 8 pulgadas). Los tres modelos cuentan con un tweeter de 1” con cúpula de seda capaz de suministrar frecuencias hasta de hasta 35 kHz, mientras que el woofer de compuesto de cristal-arámido ofrece una amplia respuesta de graves.

Montan un sistema de amplificación de clase A/B, y ofrecen múltiples conexiones en su panel trasero. Además, tienen un puerto frontal de graves que, según KRK, contribuye a reducir los problemas de acople espacial y facilita el posicionamiento de los monitores en la sala. Por otra parte, la tecnología Waveguide promete una imagen estéreo más detallada.

Más info; http://www.krksys.com

domingo, 9 de marzo de 2014

Masteriza con dinámica!!!

Si quieres que tus trabajos suenen lo más competitivos posibles, y con el más alto volumen sin perder dinámica, masterízalos con nosotros. Mándanos un tema y te devolvemos una prueba para que escuches como puede sonar tu música!!!!

SAETH - No Way Out, masterizado en Almäví Producciones



viernes, 7 de febrero de 2014

AVALON VT-737SP, Previo, opto-compresor y ecualizador a válvulas, Clase A

VT-737SP es un previo de micrófono mono a válvulas junto a un opto-compresor y un ecualizador de 4 bandas. Riqueza y caracter sonoros ilimitados. Ideal para grabar directamente a cinta, DAW y grabaciones digitales. El VT-737P ofrece una combinación de previo a válvulas, opto-compresor y ecualizador. El VT-737P tiene tres selectores de entrada: Micrófono balanceado, DI instrumento y entrada de línea balanceada. El opto-compresor ofrece triodos a válvulas Clase A. El atenuador óptico actúa como un simple control de nivel pasivo.



El control espectral incorporado (capaz de realizar procesos de de-essing) ofrece EQ de medios dual con barrido capaz de realizar procesos en sidechain. Es posible encadenar dos VT-737P a través del panel posterior de cableado para un procesado en estereo. La EQ utiliza transistores Clase A 100% discretos para un rendimiento sonoro óptimo. Las bandas altas y baja ofrecen el carácter suave de un diseño pasivo mientras que las dos bandas de medios incluyen frecuencía variable y selección de amplitud Q. Todos los conmutadores incorporan soldaduras de plata para conseguir el ruteo de señal más directo. Características: Diseño de ruteo de señal mínimo 4 Triodos a válvulas Clase A EQ encadenable para de-ess Bajo ruido (-92 dB) Válvulas de larga duración Ventajas: Sonido rico y con cuerpo, fácil de usar Control dinámico completo desde una compresión suave a limitación de codo Transistores de alto voltaje Clase A para un rendimiento sonoro óptimo.

Niveles SPL y Ruido Rosa para Calibración de los Monitores

Ya hemos mencionado entre otras cosas que el componente hardware esencial para la calibración es un medidor ‘SPL’, un dispositivo que se emplea para medir los niveles de presión sonora en un entorno acústico.

Lo normal es que utilices varios juegos de altavoces durante la vida de tu estudio, por lo que siempre has de conservar tu medidor ‘SPL’ cuando tengas calibrada tu configuración actual. Incluso si estás muy contento con tu equipo y básicamente no necesitas actualizar nada, un traslado a otra sala o incluso el cambio de posición de algún dispositivo en tu sala actual, alterará el modo en que suena tu sistema, por lo que el medidor ‘SPL’ es crucial en dichas situaciones.

El sistema de audición humana detecta las variaciones rápidas en la presión del aire y las convierte en lo que percibimos como sonido. Así que el “volumen” percibido del sonido que escuchamos es directamente proporcional a la presión de la onda sonora que representa. Por lo tanto, es muy importante la habilidad de medir el nivel de presión de una onda sonora en tu sala de trabajo.

Otra razón de peso para ajustar y monitorizar los niveles de presión sonora en tu estudio es que, un sistema calibrado de forma correcta, te ayudará a prevenir posibles daños a tu audición por una exposición a niveles altos durante largos periodos y frente a ciertas frecuencias. El medidor ‘SPL’ permite medir los niveles de presión sonora generados por cada uno de los altavoces en la posición de escucha de tu sala.

Para realizar esta tarea de un modo sistemático y efectivo, reproduce una señal de ruido rosa en tu sistema. El ruido rosa, al contrario que el ruido blanco, tiene una energía igual en cada octava, por lo que es ideal como señal de prueba para medir el rendimiento de un sistema. Un nivel de presión sonora de unos 80dB es normal para un estudio. Es posible generar ruido rosa con la mayoría de editores de audio, incluso con algunos softsintes.

miércoles, 15 de enero de 2014

Micrófono de Condensador Rode NT1

NT1 es el nuevo y revolucionario micrófono de condensador con diafragma de 1” de RØDE.
Aunque el cuerpo del micrófono recuerda al NT1-A,  este nuevo modelo ha sido rediseñado completamente desde cero, compartiendo únicamente la rejilla de protección. Los ingenieros de diseño en RØDE han conseguido un buen equilibrio entre innovación y tradición empezando por la cápsula, que es un diseño completamente nuevo. Denominada HF6, ofrece un sonido con reminiscencias de los micrófonos más famosos a la vez que ofrece un ruido extremadamente bajo. Ha sido desarrollada teniendo en cuenta el detalle en la respuesta al rango de medios junto a unos agudos suaves y sedosos y unos graves cálidos y con cuerpo.



El transductor está suspendido dentro del micrófono usando el sistema Lyre de Rycote, minimizando vibraciones externas sobre la cápsula. Los componentes de alta calidad de la electrónica del micrófono han sido diseñados para ofrecer el nivel de ruido más bajo posible en cualquier micrófono de estudio disponible. NT1 es un micrófono increíblemente silencioso con un ruido equivalente de 4.5 dBA.

El cuerpo del micrófono está hecho en aluminio 6061 y niquelado para ofrecer resistencia frente a la corrosión. Posteriormente está revestido con una capa de cerámica resistente con especificaciones militares utilizando técnicas electrostáticas avanzadas desarrolladas por RØDE para asegurar un acabado resistente a arañazos o marcas.
NT1 se puede adquirir también con la suspensión SMR. Ofreciendo un sistema de suspensión Lyre doble, SMR mejora la cancelación de vibraciones del sistema de Rycote mediante el uso de un Lyre interior para actuar como elemento de tensión. Esto mantiene cada Lyre en una posición neutral donde es más eficiente la cancelación de vibraciones. El filtro antipop metálico extraíble que incluye SMR es efectivo a la par que estéticamente atractivo, ofreciendo una solución integrada para la protección contra sílabas plosivas y puede lavarse fácilmente.

http://www.zentralmedia.com/

domingo, 5 de enero de 2014

Como ajustar los Monitores

Lo primero que debes planear en tu estudio es la distribución del equipo y el mobiliario, para permitir un buen emplazamiento de los monitores, que dependerá de dónde vayas a sentarte en tu lugar de trabajo. Lo ideal es que tus altavoces y tu posición de escucha estén ubicados de un modo simétrico en la habitación, de modo que al sentarte tengas prácticamente la misma distancia de la pared a tu izquierda y a tu derecha, cuando te coloques en el centro. Así te aseguras de que el sonido emitido por los monitores izquierdo y derecho sigue una ruta similar hacia tus oídos, para que obtengas un sonido coherente, con una buena imagen estéreo.

Has de estar centrado en la sala, no en una esquina. No te preocupes de la simetría frontal-trasera, ya que no es muy importante; de hecho, a veces hasta es contraproducente.

Asegúrate de que nada se interpone entre tú y los altavoces. El aire entre cada monitor y el oyente no ha de obstruirse. Si uno de los altavoces está ligeramente oscurecido, incluso por algo tan trivial como un libro, una planta o la pantalla de tu portátil, el sonido será reflejado, y cambiará al dirigirse a tus oídos.

Uno de los modos más efectivos para conseguir un buen emplazamiento de tus monitores es emplear soportes de calidad. Deben tener la misma altura y estar tan cercanos al nivel de los ojos/ oídos como sea posible.

No coloques los altavoces directamente sobre tu mesa, ya que la superficie actuará como resonador: la madera absorberá y amplificará los sonidos de las frecuencias graves. Si colocas tus altavoces sobre soportes, conseguirás un sonido más claro.

Si no vas a utilizar monitores de campo cercano, móntalos en la pared. Asegúrate de que no estén en contacto directo con la pared, ya que eso actuará también como resonador. Ten muy clara la colocación de tus monitores antes de proceder con una medida tan “quirúrgica”, y sería genial que pudieses tirar los cables por dentro de la pared, aunque eso quizá requiera algo de obra. Empotrar los altavoces en las paredes es una gran solución; si quieres que tu sala tenga un sonido excelente, esa puede ser la clave, pero los monitores de campo cercano son lo habitual en un home estudio, además de ser también más económicos.

jueves, 26 de diciembre de 2013

Shure Beta 52A

Este micro resulta perfecto para músicos profesionales que estén buscando un micro para su bombo, bajo amplificado o bajo acústico. Este micro le ofrece la calidad y resistencia necesarios tanto para el directo como para el estudio.



El patrón de captura supercardioide limita las interferencias de otras fuentes de sonido del escenario y reduce la realimentación. La respuesta en frecuencia ha sido perfectamente adaptada a los instrumentos graves con una respuesta en frecuencia de 20 Hz a 10 kHz con un realce de presencia de 4 kHz para hacer que los bajos eléctricos y los bombos sobresalgan del resto de la mezcla.

- Respuesta en frecuencia modelada especialmente para bombos e instrumentos graves
- Adaptador de soporte dinámico y con fijación incluido con conector XLR integral que simplifica su configuración, especialmente dentro del bombo
- Rendimiento con calidad de estudio, incluso a niveles de presión sonora extremadamente altos
- Patrón supercardioide para una alta ganancia antes de la realimentación y un mayor rechazo de ruidos no deseados
- Rejilla de acero reforzado capaz de resistir cualquier golpe y maltrato
- Avanzado sistema anti-golpes neumático que minimiza la transmisión de ruidos mecánicos y vibraciones
imán de neodimio para una gran relación señal-ruido
- Baja sensibilidad para gestionar distintas impedancias de carga
- La legendaria calidad y fiabilidad de Shure

Tipo de transductor : Dinámico
Patrón polar: Supercardioide
Respuesta en frecuencia: 20 Hz - 10 kHz
Sensibilidad (1 kHz): -64 dBV/Pa / 0,6 mV/Pa
Peso: 605 g

www.shure.com/

jueves, 14 de noviembre de 2013

Neumann U87

El Neumann U87 posiblemente, el micrófono más famoso del mundo, es utilizado en todos los estudios, lo cual lo han convertido en un estándar a nivel mundial.
Está equipado con una cápsula de gran diafragma doble, con tres patrones direccionales seleccionables: omnidireccional, cardioide y bidireccional (figura de 8).
Es una excelente solución como micrófono clásico para tomas vocales y aéreas.
Se usa también como micrófono general para grabaciones de orquesta.



CARACTERISTICAS TECNICAS

· Principio acústico: Gradiente de presión
· Patrón direccional: Omnidireccional, cardioide, bidireccional (figura de 8)
· Respuesta en frecuencia: 20 Hz-20 kHz
· Sensibilidad: 20/28/22 mV (1 kHz, 1 KOhm.) Omni/Cardioide
· Impedancia nominal: 200 Ohms.
· Impedancia nominal de carga: 1 KOhm.
· Ruido equivalente: 26/23/25 dB, acorde a IEC60268-1 (ponderación CCIR 468-3) Omni/Cardioide
· Ruido equivalente ponderado A: 15/12/14 dB A, acorde a IEC60268-1 (ponderación CCIR 468-3) Omni/Cardioide
· Relación señal/ruido: 68/71/69 dB, (re 90dBSPL) acorde a IEC60268-1 (ponderación CCIR 468-3) Omni/Cardioide
· Relación señal/ruido ponderado A: 79/82/80 dBA, (re 90dBSPL) acorde a IEC60268-1 (ponderación CCIR 468-3) Omni/Cardioide
· Nivel máximo SPL: 117 dB (THD<0 .5="" cardioide="" p="">· Nivel máximo SPL con preat.: 127 dB (THD<0 .5="" p="">· Máxima tensión de salida: 390 mV
· Rango dinámico del amplificador ponderado A: 105 dBA (THD<0 .5="" cardioide="" p="">· Alimentación: Phantom 48 V ± 4 V
· Consumo de corriente: 0.8 mV
· Conector: XLR 3 pines macho
· Peso: 500 g
· Diámetro: 56 mm
· Longitud: 200 mm
· Incluye: Caja de madera

miércoles, 13 de noviembre de 2013

Shure SM57

El legendario SM57 es un micrófono dinámico cardioide muy versátil y un verdadero standard de la industria afinado para ofrecer una reproducción limpia de instrumentos amplificados y acústicos. El SM57 es perfecto para aplicaciones tanto de grabación como de refuerzo de sonido.


La respuesta en frecuencia modelada con su aumento de presencia ayuda a que su instrumento sobresalga del resto de la mezcla. Su patrón de captura cardioide extremadamente eficaz aísla la fuente principal del sonido y le permite grabar solamente la fuente hacia la que esté apuntando, rechazando los sonidos que procedan de atrás.

Respuesta en frecuencia modelada para una limpia reproducción instrumental y una captura de voces con gran riqueza.
Reproducción con calidad profesional de batería, percusión e instrumentos amplificados.
Patrón de captura cardioide uniforme que aísla la fuente de sonido principal a la vez que reduce el ruido de fondo.
Extremadamente resistente.

Respuesta en frecuencia: 40 a 15,000 Hz
Tipo de transductor : Dinámico
Patrón polar: Cardioide
Respuesta en frecuencia: 40 Hz - 15 kHz
Sensibilidad (1 kHz): -54,5 dBV/Pa / 1,88 mV/Pa

Peso: 284 g

miércoles, 23 de octubre de 2013

Shure KSM9HS micrófono vocal de directo

El KSM9HS es un micrófono vocal de máxima calidad, con patrones polares hipercardioide y subcardioide conmutables. Amplía las posibilidades de captar hasta el más mínimo matiz de la voz con un extraordinario nivel de detalle, para ofrecerle una articulación totalmente limpia, máxima flexibilidad funcional y reproducción precisa de la voz para una amplia gama de aplicaciones en actuaciones en directo.



APLICACIONES DEL KSM9HS
Diseñado y fabricado con los estándares más exigentes. Dispone de un circuito de previo de clase A sin transformador para una captura totalmente transparente del sonido y de un doble diafragma chapado en oro que se ocupa de captar hasta el mínimo matiz. También cuenta con un avanzado sistema de suspensión anti-golpes que elimina prácticamente cualquier ruido en el manejo.

CARACTERÍSTICAS DEL KSM9HS
Los micrófonos KSM9, incluyendo este KSM9HS, ofrecen una consistencia excepcional en todo el rango de frecuencias, ofreciendo así un mayor nivel de ganancia antes de la realimentación y reduciendo a la vez el efecto de proximidad. Los sistemas inalámbricos Shure Axient™ y UHF-R® disponen de cápsulas inalámbricas KSM9 (en color dorado o negro), óptimas para las opciones de micrófonos inalámbricos de mano. Los micrófonos KSM9 han sido diseñados y construidos para cumplir con los estándars de resistencia Shure más rigurosos y demuestran su valía encima del escenario, dia tras dia, noche tras noche.

- Excepcional consistencia en todo el rango de frecuencias, ofreciendo así un mayor nivel de ganancia antes de la realimentación, reduciendo a la vez el efecto de proximidad.
- Diseño de doble diafragma Mylar® de bajo nivel de masa y chapado en oro
- Patrones polares conmutables (hipercardioide y subcardioide)
- Avanzado sistema de suspensión anti-golpes
- Componentes electrónicos de máxima calidad, incluyendo circuito de previo de clase A sin transformador
- Conectores internos y externos chapados en oro, incluyendo una resistente salida XLR con carcasa de aluminio
- Respuesta en frecuencia de rango completo (50 Hz a 20 kHz)
- Maletín de transporte de aluminio
- Opciones inalámbrica y con cable
- Disponible para el transmisor inalámbrico de mano Axient™ y UHF-R®
- Acabado en color negro (modelos con cable) o en colores negro y dorado (cápsulas inalámbricas)

www.shure.es/productos/microfonos/ksm9hs

sábado, 5 de octubre de 2013

Masterización

Hay quien opina que la masterización no existe, que es un parche a una mala mezcla. Realmente, aunque no estoy totalmente de acuerdo, no deja de tener razón. En general, una buena mezcla requiere un proceso posterior mínimo. El problema es que, durante el proceso de la mezcla, se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto –acrecentado por la fatiga auditiva–. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros.

Entonces, ¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar, conseguir uniformidad entre las pistas, de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo; conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio, corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas; y ganar algunos db de volumen medio. En este último punto hay una gran polémica, pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en la psicoacústica. Para el oído humano, una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista, consiguiendo, en muchos casos, que la pieza pierda toda la dinámica, siendo este un terrible error.

Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Sin duda necesitan una masterización, un ajuste común y preciso. Por tanto, coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas... Sin duda estás cometiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero, nunca se debe masterizar sin descansar los oídos. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla; en segundo lugar, unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar, al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro; y en tercer lugar, tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas, puesto que hay detalles que ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. Por tanto, lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda.



Para estos menesteres se requiere una sala tratada acústicamente, para ofrecer una respuesta equilibrada en todas las frecuencias. No se trata de crear una cámara anecoica; consiste en evitar realces de frecuencias y rebotes dañinos para una correcta audición. Los altavoces son un punto clave: necesitamos escuchar todas las frecuencias sin coloraciones. Es un error habitual en los monitores de campo cercano y, en menor medida, en los de medio campo, su incapacidad para reproducir frecuencias graves, siendo atenuadas las frecuencias por debajo de los 70 Hz. Por tanto, unos monitores de campo lejano, multivía y habitualmente empotrados, serían el punto de partida ideal para la masterización. Es muy importante, además, disponer de escuchas de distintos tamaños y calidades para poder chequear el material en condiciones cercanas a las que dispondrá el receptor final.

La gran polémica surge en cuanto a qué elementos (y en qué orden son adecuados) para una masterización. Sin duda hay cosas fundamentales que no deben faltar en una cadena de masterización: un ecualizador, un compresor y un limitador. Pero la gran pregunta es ¿software o hardware? La respuesta: da igual, pero ha de ser de primera calidad. En general, la alternativa software suele ser más barata a igual calidad. Hoy en día, la solución software es la que ofrece mejor calidad-precio. Existen numerosos paquetes de primerísima línea.Un ecualizador mediocre o un compresor de baja calidad puede destrozar una mezcla. En cualquier caso, la clave de todo el proceso es que la masterización no arregla una mala mezcla.

miércoles, 11 de septiembre de 2013

Problemas en la Mezcla?

Si llevas algún tiempo mezclando, posiblemente sepas a qué se refiere el titular. Sencillamente, la mezcla en la que estás trabajando no funciona. Quizá no sabes exactamente por qué, pero resulta evidente que la mezcla no es buena.
De igual forma, también es posible que tengas perfectamente claro qué es lo que le ocurre a la mezcla, pero no sepas cómo solventarlo; la batería no tiene pegada, no acabas de dar con el balance correcto entre los instrumentos, falta claridad y definición…
A la hora de mezclar hay que hacer frente a un gran número de cuestiones, y tener ideas frescas para solventar problemas es importante. A continuación se expone una recopilación de técnicas empleadas para resolver algunas situaciones frecuentes.


GRABACIÓN
Durante la grabación se pueden preparar recursos “de reserva”, que pueden ser usados en caso de que surja alguna incidencia durante la mezcla.
Una práctica habitual es colocar uno o más micros extra en la sonorización, empleados únicamente para aportar efectos inusuales. Se pueden situar en emplazamientos extraños, o pasarlos a través de algún procesado extravagante para ser añadidos a las pistas originales, o incluso reemplazarlas.
De forma parecida, usar un patrón polar distinto del habitual puede propiciar nuevas formas de acometer la mezcla.

Una técnica microfónica muy versátil es la MS (Mid-Side), ya sea en voces o en instrumentos. Por ejemplo, se puede emplear únicamente el canal central durante las estrofas y añadir el lateral durante los estribillos para aportar grandeza; o de forma contraria, usar sólo el lateral y automatizar la entrada del canal central para enfatizar palabras, frases, riffs, etc. También se puede utilizar la automatización para pasar de mono a estéreo sutilmente a lo largo de un puente…

Si durante la grabación se nos ocurren ideas para la mezcla, conviene apuntarlas, porque es posible que varios días (o semanas) después no logremos recordarlas.

También cualquier sonido interesante que surja en esta etapa debería ser grabado o guardado en un preset. Si esto no es posible, un “pantallazo” (tecla Print Screen en Windows, Mac+Shift+3 en Mac) permite capturar en una imagen una determinada configuración.


EN LA MEZCLA
Si es posible, conviene descansar al menos un día antes de comenzar, en lugar de empezar la mezcla después de una larga sesión de grabación. Tener los oídos frescos puede hacer maravillas a la hora de mezclar.

Sin embargo, no hay que olvidar que una rough mix puede capturar la esencia de la canción. Si existe este tipo de mezclas en el proyecto, una escucha de ellas puede aportar ideas de hacia dónde encaminar la canción.
la canción.

También es importante hacer una escucha del material que se va a mezclar, incluso si lo hemos grabado nosotros mismos, para decidir cuáles son los elementos importantes a lo largo del tema. Quizá lo que hace grande la canción sea la melodía de voz del estribillo, un riff de guitarra en el puente, el groove de la batería…

Tener claros estos elementos de antemano permite ir elaborando la mezcla alrededor de ellos para darles la importancia que merecen. Del mismo modo, saber qué es importante permite no detenerse demasiado en lo que no lo es.

Nadie quiere estar trabajando en la voz a las tres de la mañana. Si la voz es importante (y generalmente lo es), es mejor empezar con ella pronto, para tener la certeza de que ésta suena bien, cuando se haga tarde y los oídos estén cansados.

De forma parecida, si se trata de una demo de pocas canciones, probablemente haya unas mejores que otras. En este caso, comenzar por las menos buenas servirá para ir experimentando, definiendo el sonido, incluso encontrando efectos o plugins que funcionan bien con determinados instrumentos, para que cuando llegue la hora de mezclar “el Hit”, se tengan más herramientas disponibles.

Otro problema común es luchar con un determinado instrumento que no acaba de entrar en la mezcla, ya sea con EQ, delay, reverb, etc. Es posible que, sencillamente, el arreglo no sea el adecuado y haya que eliminarlo o cambiarlo por otro.


MONITORIZACIÓN

La mejor forma de que la mezcla traduzca bien en distintos sistemas es evaluarla en el mayor número de entornos posible: en distintos monitores, altavoces de PC, altavoces HiFi, en un reproductor Mp3, en el coche… Tener varias parejas de escuchas disponibles es fácil con un controlador de monitores.

Una forma de emular el comportamiento de unos altavoces para PC, es colocar en el canal master una EQ que recorte por debajo de 130Hz y por encima de 7kHz (aproximadamente). Si además se inserta un plugin que sume en mono la señal, en todo momento se podrán activar estos plugins para un chequeo rápido de la mezcla en un entorno distinto (y “hostil”).

Los auriculares son útiles para chequear la existencia de pequeños ruidos o detalles que en los monitores pasan desapercibidos, y para comprobar la panoramización. 

De forma parecida, escuchar la mezcla desde la puerta del control aporta una nueva visión, en la que a veces es más fácil comprobar la relación de niveles en la mezcla, o si todos los instrumentos se escuchan como deben.

Escuchar con la pantalla apagada ayuda a que la atención se centre en el sonido, y no en las formas de onda de la DAW. Una solución rápida para esto es definir que el salvapantallas sea una pantalla en negro, y colocar un acceso directo a él en el escritorio o en la barra de herramientas, para activarlo siempre que se quiera.

En general, es aconsejable mezclar a niveles bajos (60-80dB), y sólo subir el nivel puntualmente para chequear ciertos aspectos, por ejemplo cómo interactúan bajo y bombo a niveles altos.

De forma parecida, escuchar la mezcla en niveles muy bajos es útil para comprobar relaciones de niveles, por ejemplo si la voz o la caja están demasiado altas. Esto también puede hacerse escuchando la mezcla con los oídos tapados (con los dedos), algo especialmente útil cuando se ha perdido un poco la objetividad tras largas horas de mezcla, ya que aporta una perspectiva diferente.

Otra práctica aconsejable es analizar mezclas de discos comerciales (incluyendo géneros que habitualmente no escuchemos), para comprobar la posición de los instrumentos, el nivel, ecualización, etc.

En esta actividad resulta útil importar la mezcla en nuestra DAW favorita e ir recorriendo el espectro con una EQ, para ver exactamente dónde está el bombo, bajo, guitarras, voz… Muchas veces ese bombo que tanto impresiona no está ecualizado como parecía.

Igualmente, sumar en mono la mezcla invirtiendo la polaridad de uno de los dos canales permitirá escuchar sólo los lados de la mezcla, desapareciendo todo lo que haya sido panoramizado al centro.

Esto facilita la escucha de todos los efectos estéreo empleados (reverbs, delays, etc.), y habitualmente muestra pequeños arreglos que habían pasado desapercibidos.

PROCESADO
Prevenir es mejor que curar, pero a veces hay que mezclar material que no hemos grabado nosotros mismos; o aparece un problema que había pasado inadvertido hasta entonces.

BATERÍA
Si el sonido del charles que se cuela en el micro de la caja es un problema, y una puerta de ruido no lo resuelve, colocar un de-esser en la pista de caja puede ayudar a minimizar el sonido del charles.

Es posible que nos guste el sonido de los micros de sala porque aportan peso a la caja, pero subirlos demasiado emborrona el sonido del resto del kit. Una solución es colcarles una puerta disparada por la caja, para que el sonido de sala sólo se escuche cuando golpea este instrumento.

Un aspecto que puede suponer un gran cambio en el sonido de la batería, y muchas veces se descuida, es alinear correctamente las pistas. El resultado de este proceso suele ser un sonido con más pegada y brillo.

GUITARRA
Un problema de ruido en altas de un ampli puede reducirse filtrando estas frecuencias para reducir el ruido, y posteriormente emplear un excitador de armónicos para restaurar parte de los agudos perdidos.

Un ampli de guitarra puede ser muy útil cuando el sonido de algo no nos convence y no es posible volver a grabarlo. El reamping consiste en enviar al ampli cualquier señal que se quiera alterar, y grabar el resultado como grabaríamos el ampli. Muy útil en voces, guitarras, cajas…

VOCES
Si en algún punto aparece algo de distorsión en la voz y no hay otra toma para sustituir esa parte, una solución puede ser distorsionarla toda durante ese fragmento.

Los compresores permiten homogeneizar una pista de voz, pero un buen vocal riding puede colocarla en otro nivel. Esta técnica consiste en dibujar la automatización del nivel de la pista de voz, para sacar al frente los finales de las palabras o para acentuar pequeños detalles y matices.

REVERB
Un error habitual es un exceso de reverb, lo que se traduce en falta de claridad y definición. Una forma de evitar esto es tratar que la mezcla funcione lo mejor posible sin este efecto, y una vez se ha conseguido, añadir reverb donde haga falta.

El tiempo de reverberación y la ecualización de este efecto también deben ser elegidos con cuidado. En general, cuanto más rápido es el tema, más corta debería ser la reverb, y menos graves debería tener.

Junto con el tiempo de reverberación y la ecualización, la densidad de la reverb ayuda a crear sensación de lejanía: cuanto más densa es más cerca parece que está el objeto.

De forma parecida, añadir algo de brillo a la reverb puede hacer que el instrumento al que se le aplica parezca más cercano, sin necesidad de ecualizar el instrumento en sí.

En ocasiones, la compatibilidad en mono de algunos procesadores de reverb no es del todo buena, especialmente en los de gama baja. Una forma de solucionar este problema es emplear dos procesadores distintos, uno para el canal izquierdo y otro para el derecho, en lugar de los dos canales L y R de un mismo procesador.

A pesar de que un poco de reverb en cada instrumento puede hacer que todo suene mejor en conjunto, un exceso puede provocar la pérdida de efecto. En una mezcla con mucha reverb el instrumento que destaca es el que no lleva, y viceversa.

DELAY
Para crear espacio en la mezcla, el primer efecto que viene a la mente es la reverb, pero el uso de delays cortos puede crear efectos parecidos, y puesto que suelen ser menos densos, ayudan a crear sensación de espacio sin que el instrumento pierda pegada en exceso. 

Delays sutiles -casi subliminales- sincronizados con el tempo del tema pueden ayudar a que un instrumento encaje cómodamente en la mezcla. En esta línea, para crear cierto aire alrededor de la voz se puede usar un delay a negras. La idea es ecualizarlo algo agudo y subir el nivel hasta que comienza a oírse, para reducirlo ligeramente hasta que, más que oírse, se intuya.

La sincronización puede ser muy útil, pero en ocasiones es necesario desactivarla para evitar que cierta repetición desaparezca, por ejemplo detrás de un golpe de caja. Además, ajustar el tiempo manualmente puede reportar resultados inesperados.

De forma parecida, emplear figuras menos usuales, como tresillos de negra o corcheas con puntillo, puede aportar nuevas ideas.

A pesar de que los delays actuales permiten crear copias exactas, una degradación en las repeticiones –generalmente un filtrado de las altas frecuencias- ayuda a que el delay suene más natural.

Una manera de que la reverb o delay no ocupen demasiado espacio es emplear una puerta o expansor disparada por el instrumento al que se le aplica el efecto. De esta forma, mientras el instrumento está activo apenas hay efecto, y cuando enmudece, las repeticiones aparecen para ocupar su espacio.

MODULACIÓN Y DISTORSIÓN
Para finalizar esta colección de “posibilidades”, un par de sugerencias para emplear estos conocidos tipos de efecto:

Los efectos de modulación tipo chorus y flanger ayudan a engrosar el sonido de un instrumento, pero también pueden “diluirlo” en la mezcla, por lo que deben ser aplicados con cuidado a los elementos principales.

Sin embargo, si se aplican estos efectos a la reverb o delay del instrumento, el sonido pasa a ser más grande sin que el elemento pierda el foco. Combinar de distintas formas reverb, delay, chorus y flanger suele llevar a resultados interesantes.

En cuanto a la distorsión, es un efecto que se puede aplicar no sólo a guitarras eléctricas. En pequeñas dosis puede dar carácter y añadir interés a cualquier instrumento, como voces, batería, etc. A menudo, una ligera distorsión aporta presencia y energía.

Roger Montejano